Interview de Manuel Solano sur le défi à l’autorité

Manuel Solano est un jeune artiste devenu aveugle après une négligence médicale. Ses créations artistiques naissent de la mémoire, de la culture pop et de la reconnaissance de sa personne à partir de ses capacités sensorielles. Challenging authority est la nouvelle exposition que Solano présente à la galerie Karen Huber, où vous trouverez des pièces qu’il a réalisées l’année dernière et qui mettent en évidence la capacité de cet artiste à surmonter l’adversité et l’injustice.

Manuel, comment s’est faite votre approche de l’art ?
J’ai commencé à peindre à l’âge de 14 ans mais j’ai l’envie de faire de l’art depuis que je suis enfant. J’ai toujours été très manuel, j’aimais beaucoup faire des figures en pâte à modeler et dessiner jusqu’à ce que je commence à expérimenter d’autres matériaux. C’est comme si je faisais la même chose depuis que je suis tout jeune : parler de moi à travers des visuels, en utilisant des références d’aujourd’hui, de la vie quotidienne, de la culture pop. Cette exposition est celle qui ressemble le plus à ce que je faisais quand j’étais petit. Il y a des thèmes en commun, ce qui m’intéressait le plus, c’était la nature, et il y a de la nature partout dans l’exposition.

Parlez-nous de votre travail artistique…
Mon travail se mêle beaucoup à ma propre personne et de plus en plus. Je ne sais pas comment je m’identifie, je sais juste que je ne me vois pas comme un homme ou une femme. J’ai perdu la vue il y a trois ans, à la suite d’une série d’injustices et d’abus. Le gouvernement m’a refusé l’accès au traitement rétroviral, ils m’ont dit que je n’avais pas le droit de l’exiger, qu’ils décidaient quand. C’est un mensonge ; tant que vous êtes séropositif, vous décidez quand vous recevez un traitement, et c’est pourquoi je n’étais pas sous traitement lorsque la maladie m’a envahi. Ma création comporte de nombreuses références à la pop culture, à la vie quotidienne, mais je parle toujours de moi. Je pense que cette exposition est la démarche la plus claire que j’ai entreprise jusqu’à présent, pour faire comprendre au public que le sujet de mon travail, c’est moi et non les références que j’utilise.

Avant de perdre la vue, quel genre de travail faisiez-vous ?
Principalement la vidéo et la peinture, mais beaucoup plus la seconde ; j’étais plus méticuleux, j’ai toujours été très obsessionnel sur les détails et le détail même si j’ai toujours pensé que le concept derrière mon travail est aussi ou plus important que le résultat, mais pas pour cette raison j’aimais laisser de côté l’aspect visuel du travail. Toujours avec des références peut-être pas très claires, mais toujours dans le sens de la vie quotidienne. En parlant de moi.

Quand on perd la vue, on rompt avec ce style ?
Oui. En ne voyant pas, je n’ai plus le contrôle du résultat. Mais le sujet est le même ; peut-être que maintenant j’utilise plus de références, justement parce que je n’ai pas la maîtrise de l’image, je ne peux pas savoir exactement à quoi ressemble le tableau. Je dois ajouter quelque chose que l’autre va reconnaître immédiatement pour engager un dialogue.

Comment parvenez-vous à leur donner cette forme, ces couleurs ?
Avec mes mains, je peins tout avec mes mains. Dans mon atelier, les couleurs sont toujours disposées au même endroit et je n’ai pas beaucoup de variations : j’ai deux jaunes, deux bleus, deux rouges. Mais lorsqu’il s’agit de mélanger les tons, c’est un pari ; en fait, il y a des accidents partout dans la série. La pièce El día de mi primera comunión est un paysage, la plus grande œuvre que j’ai peinte jusqu’à présent. Dans celui-là, on me dit que les montagnes à l’arrière-plan sont bleues, évidemment ce n’était pas mon intention de faire des montagnes bleues, je voulais du vert. J’ai essayé de les rendre un peu bleutés, car lorsqu’on peint un paysage, plus l’objet est éloigné, plus la couleur se refroidit. Mais je mélange la peinture et je ne suis pas sûr à cent pour cent du résultat final.

J’utilise des marqueurs tactiles, comme je fais des croquis sur le mur, ce que je fais c’est tracer les points clés de la composition avec des punaises et des épingles. Je les mets sur les pupilles, sur les narines, sur les coins des lèvres. De cette façon, je peux reconnaître où j’en suis dans le processus.

Que trouve-t-on dans l’œuvre Challenging Authority ?
C’est l’autoportrait qui donne son titre à l’exposition. Il me représente à l’école primaire et parle des expériences traumatisantes que j’ai vécues à cette époque. La directrice de mon école avait un problème avec moi et ma façon de penser ; ainsi, au fil des ans, elle a cherché un nom pour ce problème, et pour ce faire, elle a abusé de son autorité pendant toutes ces années. Elle disait qu’elle lisait dans mes pensées, parce que dans mes yeux, elle pouvait voir si je mentais ou si je défiais l’autorité. Je ne me suis jamais entièrement soumis à son autorité, car j’ai toujours su qu’elle avait tort. C’est ce qui a fait que je suis devenu la cible de ses abus. Cette pièce est présentée avec un audio de musique new age, car dans cette école, on nous jouait toujours ce petit air.

Quelle est la raison de l’installation Violating Harmony ?
C’est un arbre de Noël très similaire à celui que je voyais dans mon enfance, jusqu’à ce qu’il y ait un incident. Il y avait un Syrien à mon école et un ami et moi jouions avec sa cire fondue et nous nous sommes fait attraper et réprimander. La femme qui dirigeait l’endroit nous grondait toujours. Elle a utilisé un langage superlatif et a dit que nous avions violé l’harmonie et boycotté la dynamique de l’arbre, qu’elle ne comprenait pas pourquoi cet empressement pour la violence et la destruction. Ainsi, dans cette pièce, au fur et à mesure que le temps passe, j’interviens et je place plus de cire dessus ; maintenant, je viole vraiment l’espace.

Où vous projetez-vous dans le futur ?
Je veux composer de la musique ; incorporer le son à mon travail et à ma personne. Jusqu’à présent, j’ai utilisé la vidéo, la peinture, le néon, les installations, mais mes approches de la musique sont très basiques. J’aimerais me concentrer sur ce point.

Desafiando a la autoridad est présenté jusqu’au 12 août à la galerie Karen Huber. Bucareli 120, Juarez. Mar-Ven 12-18h, Sam 11-14h. Le métro Cuauhtémoc. Gratuit.

Libre.

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